Logo Lobortas Classic Jewelry House

Новейшие разработки и изобретения в области ювелирного и декоративно-прикладного искусства – основополагающий принцип и исключительный приоритет Классического ювелирного Дома «Lobortas» со дня его основания.

Результат этой работы - уникальные эталонные произведения из драгоценных камней и металлов, классические эскизы, не имеющие аналогов подробные макеты и прототипы будущих украшений. Все наши ювелирные разработки сопровождаются технологическими картами, содержат ноу-хау, способы их применения, инженерные системы и неординарные изобретения.

Мы можем с гордостью сказать, ведущие мировые эксперты признают: "Дом «Lobortas» – это классическое ювелирное искусство XXI века".

Дмитрий Чипарус. Роскошь и шик ар - деко.  Скульптура малых форм. XX век. Начало.

 

Скульптура малых форм. XX век. Начало

Роскошь и шик ар - деко. Дмитрий Чипарус.

 

Одним из ярчайших представителей ар-деко, работавших в стиле хрисоэлифантинной техники, принято считать скульптора Дмитрия (Деметра) Чипаруса, одного из самых известных учеников Фердинанда Прейсса, специализировавшегося на фигурках танцовщиц. Чипарус уделял особое внимание передаче текстуры экзотических костюмов. В этом он превзошёл даже своего учителя Фердинанда Прейсса. Особой любовью и источником вдохновения для Чипаруса был русский балет Дягилева, оказавший огромное влияние на художественное сообщество Европы.

 

Дмитрий Чипарус

«Танго». Бронза, патинирование, слоновая кость,
постамент из оникса. Дмитрий Чипарус.

 

Родился будущий скульптор в Румынии в 1886 году, но уже в 1909 году переехал в Италию, где учился у Рафаэлло Романелли. На этом путешествия для него не закончились, и через три года он эмигрировал в Париж — столицу мирового искусства, продолжив своё обучение в Парижской Академии Изящных искусств. Там он брал уроки у знаменитых мастеров своего времени — Антонина Мерсье и Жана Буше. Но их влияние на формирование художественного стиля Чипаруса оказалось довольно скромным.

 

Дмитрий Чипарус

Деметр Чипарус (1886-1947).

 

В начале 20-х годов о Дмитрии Чипарусе заговорили как об интересном и самобытном скульпторе. К этому времени его работы стали узнаваемы, уже определился почерк мастера, сложилась его уникальная манера, составляющими которых стали эффектность, декоративность, изящество.

 

Дмитрий Чипарус

«Саломея». Бронза, слоновая кость. Дмитрий Чипарус.

 

Сочетание «теплой» слоновой кости и податливой бронзы стало его визитной карточкой. Созданные его руками прелестные танцовщицы разных эпох и народов потрясающе красивы – индийские, персидские, французские, египетские и русские красавицы кружатся, встают на цыпочки, изгибают лебединые шеи, тянут утонченные запястья…

 

Дмитрий Чипарус

«Семирамида». Бронза, слоновая кость, постамент из оникса. Дмитрий Чипарус.

 

Их затейливые наряды, воссозданные из бронзы, поражают воображение – кажется просто немыслимым, чтобы металл так ниспадал легчайшими складками, оборачивался вокруг закрученных в пируэте стройных ножек, обнимал точеную талию, становился то бархатом, то шелком или тончайшим кружевом. Каждая складочка ткани почти колышется, каждое движение ждет завершения, каждый изгиб тела – само совершенство.

 

Дмитрий Чипарус

«Антинея». Бронза, слоновая кость. Дмитрий Чипарус.

 

Между тем, все, кто видел его творения, открывают для себя новый притягательный мир, созданный талантливым скульптором и поражающий особой тонкостью, потрясающей пластикой, ювелирным вниманием к любым мелочам.

 

Дмитрий Чипарус

"Друзья навеки". Бронза, слоновая кость (1920-е годы). Дмитрий Чипарус.

 

Мало кто знает, что Чипарус, будучи успешным скульптором, писал картины. Они писались не для коммерческой продажи, а для личного удовольствия. Художник - любитель, Дмитрий отдавал предпочтение этюдам со своей женой Жюльен Люльер, очень редко писал пейзажи и натюрморты. Чипарус познакомился с Жюльен, которая была моложе его на шестнадцать лет, в 1924 году. В конечном счете, они поженились в 1939 году, прожив вместе уже пятнадцать лет. Детей у них не было. Хотя Чипарус лепил свои скульптуры с конкретных живых моделей, было неизбежно, что черты Жюльен, сознательно или подсознательно, придавались образам танцовщиц и средневековых дам.

 

Дмитрий Чипарус

Жюльен отдыхает. 1930-е Дмитрий Чипарус.

 

Восторженно принятый публикой, Чипарус находится на высшей точке успеха с середины 1920-х до начала 30-х. В 1928 году, они с Жюльен, переезжают из крошечной студии на улице Баро, в элитное парижское предместье Нейи, на Сене, в дом по адресу № 56, Бульвар Аржансон, который они отремонтировали в экстравагантном стиле и соорудили большую мастерскую для художника в саду.

 

Дмитрий Чипарус

"Танцовщица с обручем". Дмитрий Чипарус.

 

Моделями для скульптур Чипаруса часто были конкретные танцовщицы парижской сцены. Так, "Танцовщица с обручем", созданная в 1928 году, изображает талантливую танцовщицу Зулю де Бонча, из Парижского театра "Folies Bergere", приму Оперы Бельградо Руаяля и актрису пантомимы Комической Оперы в Париже, а фигуры скульптурной группы «Персидский танец» носили черты знаменитых танцоров русской труппы Вацлава Нижинского и Иды Рубинштейн.

 

Дмитрий Чипарус

«Альмерия». Дмитрий Чипарус.

 

Одной из наиболее знаменитых и утончённых его работ стала «Альмерия». «Альмерия» входит, вероятно, в тройку самых желанных для коллекционера фигур Чипаруса и очень редко встречается на аукционах. «Альмерия», как считается, смоделирована с балерины, хореографа и балетмейстера Брониславы Нижинской, которая была членом труппы Русского Балета Сергея Дягилева и сестрой его бывшего друга Вацлава Нижинского. Ее образ - одно из самых изысканных и визуально драматических исследований Чипаруса. Именно её фигура воплотила пластику и драматизм авангардного танца в совершенстве.

 

Дмитрий Чипарус

Дмитрий Чипарус.

 

Пара жила на широкую ногу, но к 1936 году и дом, и дорогая мебель были проданы, чтобы оплатить накопившиеся долги. Чипарус с Жюльен переехали в квартиру в доме 7 на улице Декам, в шикарном, но менее дорогостоящем квартале Парижа Трокадеро. Во время поздних 1930-х удача совсем оставила скульптора. С внезапным началом Второй мировой войны большинство литейных мастерских, которые выпускали его работы, были закрыты нацистами, так как они принадлежали евреям.

 

Дмитрий Чипарус

«Танцовщица». Дмитрий Чипарус.

 

Последний адрес семьи Чипарусов - крошечная квартира-студия в 14-м районе Парижа. Дмитрий принял такой поворот судьбы с хладнокровием, почти иронично. Он продолжал ваять для собственного удовольствия, без оглядки на перспективу продаж, стараясь сохранить внутреннюю гармонию.

 

Дмитрий Чипарус

Портрет жены. 1940-е гг. Дмитрий Чипарус.

 

Поздний, заключительный период творчества мастера пришелся на годы Второй мировой и время оккупации Парижа фашистской Германией. Дошедшие до нас редкие терракотовые скульптуры Чипаруса, созданные в 1942-1943 годах, экспонировались на Парижском Салоне. Можно предположить, что дошедшие до нас терракотовые модели, не увековеченные в дорогой бронзе, не отлитые массово в шпиатре, часто носящие личный характер, передают нам какую-то оставшуюся в тени сторону творческой души великого мастера.

 

Дмитрий Чипарус

Ромео и Джульетта. 1940-е гг. Дмитрий Чипарус.

 

Переживавший не лучшие времена, Дмитрий Чипарус умер от удара, по возвращении из Венсеннского зоопарка, куда он постоянно ходил делать скульптурные этюды 22 января 1947 года.

Драгоценные творения Дмитрия Чипаруса стали своеобразным синтезом нескольких художественных течений начала ХХ века. Среди них были кубизм, конструктивизм, футуризм и в значительной степени ар-деко. Но техника создания фигур и художественно-декоративный стиль были отмечены уникальным почерком мастера. В целом же, скульптуры Чипаруса стали абсолютным воплощением эпохи ар-деко, стремящейся к роскоши и утончённости. Они стали ответом на требования своего времени в наиболее изящной форме, которую только можно было представить.

Постановка фигуры в пространстве, передача её движения, позы, жеста, светотеневая моделировка, усиливающая рельефность формы, архитектоническая организация объёма, зрительный эффект его массы, весовых отношений, выбор пропорций, специфических в каждом случае, характер силуэта, являются главными выразительными средствами скульптуры созданной мастерами Дома «Лобортас».

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

Драгоценная скульптура «Меркурий». Дом «Лобортас».
Фото Владислава Филина.

 

Хрисоэлифантинная техника. Роскошь и шик ар - деко. Скульптура малых форм. XX век. Начало.

 

Скульптура малых форм. XX век. Начало.
Роскошь и шик ар - деко. Хрисоэлифантинная техника.

Часть вторая

 

Ярким и самобытным творчеством выделялся французский скульптор Пьер Ле Фагюэ (Pierre le Faguays, 1892 - 1962).

 

Art Deco

Подставка для книг "Леди и сатир". Пьер Ле Фагюэ. бронза, мрамор.

 

Во время Первой мировой войны Пьер Ле Фагюэ обучается в Школе изящных искусств, в Женеве, в мастерской скульптора Джеймса Виберта (James Vibert). В школе он знакомится с будущими знаменитыми скульпторами Марселем Андре Буреном (Marcel Andre Bouraine) и Максом Ле Верье (Louis Octave Maxime Lе Verrier). Дружба продлиться до конца их жизней и подарит искусству много непревзойдённых шедевров.

 

Art Deco

Светильник «Танцующий Арлекин». Марсель Андре Бурен, Пьер Ле Фагюэ. Общая высота: 54,8 см
Бронза (расписанная в холодной технике, покрытая серебром), слоновая кость, мрамор (постамент)

 

В этой скульптуре мастера обращаются к еще одной популярной теме ар - деко - персонажам комедии дель арте. Образ Арлекина прекрасно подходил для скульптуры малых форм, во-первых, благодаря декоративности своего костюма, а во-вторых, потому что предполагал широкий диапазон различных поз, динамичных и интересных по силуэту. Маски комедии дель арте возникли в Италии в XVI века, а пик их популярности в европейской культуре, в частности во Франции, приходится, как раз, на конец XIX - первую половину XX века. В большой степени этим успехом маски комедии дель арте обязаны "Руским сезонам", в частности балету "Карнавал", который в свою очередь вдохновил Пабло Пикассо создать свою серию Арлекинов. А уже через великого испанца образы итальянских масок проникли в творчество множества художников, в том числе работавших в стиле ар - деко.

 

Art Deco

«Espana». Лампа. Бронза, мрамор. Пьер Ле Фагюэ и Макс Ле Верье, 1925 год. Высота 52 см.

Свои первые работы Пьер Ле Фагюэ демонстрирует на выставке в Салоне Общества французских художников в 1922 году. Его стиль близок к стилю Дмитрия Чипаруса.

 

Art Deco

«Бакеса». Пьер Ле Фагюэ

 

Art Deco

«Танцовщица с шестом». Пьер Ле Фагюэ

 

Пьер Ле Фагюэ много и плодотворно работает, создавая модели не только различного рода статуэток, а и модели настольных ламп, светильников и разнообразных декоративные предметов для литейных мастерских «Susse Frères», «Edmond Etling», «Max Le Verrier», «Les Neveux de Jules Lehmann», литейного завода австрийца Артура Гольдшайдера.

 

Art Deco

Реклама “Les Neveux de Jules Lehmann», около 1930 года.
На снимке: «Антинея», Мориса Гиро-Ривьера.

 

 

Art Deco

Визитная карточка Артура Гольдшайдера. 1930 год.

 

 

Art Deco

«Девушка и газель». Пьер Ле Фагюэ.

 

Зачастую Пьер Ле Фагюэ создает свои работы под псевдонимами «Guerbe» и «Fayral» (фамилия его матери и жены).

 

Art Deco

Подставка для книг. Пьер Ле Фагюэ. Бронза.

 

Работы Пьера Ле Фагюэ постоянно представлены в павильоне Артура Гольдшайдера, на выставке декоративно-прикладного искусства в Париже, в двух группах: La Stèle (современная скульптура) и L'Evolution (художественное оформление).

 

Art Deco

"Мыслитель". Пьер Ле Фагюэ. Терракота. 1930 год.

 

 

Art Deco

"Всадница". Пьер Ле Фагюэ. Слоновая кость, бронза, холодное окрашивание. Высота: 37,5 см

 

Композиция интересна применением в качестве изобразительного средства геометрических линий - типичный признак дизайна эпохи ар - деко.

 

Art Deco

«Обнаженная женщина на скале».
Пьер Ле Фагюэ. 73 × 16 × 45 см

 

После Второй мировой войны Пьер Ле Фагюэ полностью посвятил себя живописи - писал картины на площади Холма (рlace du Tertre), в самом «сердце» Монмартра.

 

Art Deco

"Аристократы". Отто Пёрцель. Слоновая кость, бронза, холодное окрашивание, оникс. Высота 40,3 см.
Русская борзая - живой атрибут аристократизма - вошла в моду вместе с эмигрантами из России.

 

Утонченные и элегантные, невероятно роскошные и динамичные образы можно увидеть в работах немецких скульпторов Отто Пёрцеля (Hermann Hugo Otto Poertzel) и Отто Хоффмана (Otto Hoffmann) или ироничные в работах Ролана Париса (Roland Paris), которые по праву, можно считать образцами выразительного потенциала хрисоэлифантинной техники.

 

Art Deco

«Пьерро». Отто Хоффман. 1915 год. Высота 33 см.
Фотография: Оскар Х. Гонсалес Эрнандес. Музей ар-нуво и ар-деко в Каса Лис.

Art Deco

«Танцовщица с ножами». Отто Хоффман.
Фотография: Оскар Х. Гонсалес Эрнандес. Музей ар-нуво и ар-деко в Каса Лис.

Art Deco

Подставка для книг «Шуты». Ролан Пэрис. Бронза, слоновая кость и мрамор. Высота 17 см. 1930 год.
Фотография: Оскар Х. Гонсалес Эрнандес. Музей ар-нуво и ар-деко в Каса Лис.

 

Новаторством и доскональной проработкой деталей выделяются работы испанского скульптора Энрике Молена-Балеста (Enrique Molins-Ballesté). Энрике родился в Барселоне, а затем переехал в Париж. Работал и творил преимущественно во Франции. Свои работы он подписывал как «Molins» или «Ballesté», а иногда как «Bal».

 

Art Deco

«Дама с собакой». Энрике Молен-Балест 1924 год. 42,5 см х 26,5 см х 15 см.

 

Уникальность работ Энрике Молен-Балеста заключается в том, что много скульптур им было создано с использованием дерева в качестве основного материала.

 

Art Deco

«Танцовщица в костюме птицы». Энрике Молен-Балест.
Высота 42 см. 1928 год.

 

Драгоценные скульптуры, сделанные мастерами Дома «Лобортас», можно считать настоящими шедеврами ювелирного искусства, которые благодаря сочетанию всевозможных эстетических концепций и образов, применению материалов и дизайнерских решений, которые до этого не использовались в скульптуре малой пластики, обладают большой художественной ценностью и остаются актуальными вне времени. Необычный дизайн и неожиданные комбинации материалов, безусловно, подкупают оригинальностью даже самого прихотливого ценителя прекрасного.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

Подставка для книг «Петр и Павел». Дом «Лобортас».
Фото Владислава Филина.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

Печать «Генералиссимус». Дом «Лобортас».
Фото Владислава Филина.

 

Малая пластика. Наследие

 

Малая пластика. Наследие

 

«Скульптура — это искусство ума».

Пабло Пикассо

 

За последние годы значительно оживился интерес людей к эстетическому осмыслению явлений, как классического художественного наследия, так и современного искусства, к воспитанию вкуса и правильного понимания прекрасного. Особенно усилился этот интерес в последнее время в связи с оживленными дискуссиями вокруг проблем современного искусства, его особенностей, его достижений и отдельных недостатков. Особое место в этом процессе отводится малой пластике.

Жанры и направления малой скульптуры, чрезвычайно многоплановы и затрагивают практически все области жизни человека. Искусство резьбы по камню, и в нашем веке, сохраняет свои традиции.

Из современных камнерезов выделяются мастера немецкой школы Эберхард Банк, династия Дрееров (Карл, Герман, Пауль, Герд, Патрик), Манфред Вильд и немногие другие.

 

Sculpture

 

Манфред Вильд (Manfred Wild) - художник по камню, ювелир. Родился в 1944 году в местечке Киршвайлер недалеко от города Идар-Оберштайн (Германия). Манфред Вильд является восьмым представителем семейной династии, которая работает в области художественной обработки камней и драгоценных минералов с 1630 года.

 

Sculpture

“Мираж” (Mirage Egg). Манфред Вильд (Manfred Wild). 2014 год Оценено в 5 милл. £.

 

Выросший в творческой среде, Манфред с детства увлекался рисованием, окончив, помимо образовательной школы, художественно-коммерческий колледж. Мастерская Вильда первоначально специализировалась на создании копий известных произведений, а затем полностью переключилась на производство авторской продукции.

 

Sculpture

Манфред Вильд (Manfred Wild).

 

Манфреда Вильда иногда называют «Фаберже XXI века». И для этого почетного сравнения есть все основания. Ему удалось не только овладеть виртуозной техникой обработки камней и металла, но и создать свой собственный узнаваемый стиль, бережно интерпретировав лучшие приемы великих мастеров прошлого.

 

Sculpture

Цветы японской сливы (умэ) Опал, родохрозит, обсидиан, золото. 35,6х25,4х24,1 см. | "Цветущая ветка яблони" Опал, агат, цитрин, серебро. 17х10х10 см. | Манфред Вильд (Manfred Wild).

 

Современная малая пластика призвана преодолеть однообразие массового типового интерьера, придать ему индивидуальность. Большинство современной малой пластики созданной скульпторами - эксклюзивна.

 

Sculpture

Герд Дреер (Gerd Dreher).

 

Многочисленные ценители камнерезного искусства считают Герда Дреера одним из лучших резчиков по камню в мире. Герд Дреер (Gerd Dreher), четвёртый в династии немецких камнерезов из Идар-Оберштайна и, на сегодняшний день, самый знаменитый.

 

Sculpture

Герд Дреер (Gerd Dreher).

 

Миниатюрные скульптуры животных, которые и прославили именитого мастера, выполнены чаще всего из различных пород кварца и берилла, но самым любимым для него является агат из месторождения Риу-Гранди-ду-Сул в Бразилии. Работы Герда Дрейера имеют широкую известность в мире, находятся во многих коллекциях.

 

Sculpture

Герд Дреер (Gerd Dreher).

 

Камнерезному искусству Герд обучался у своего отца Пауля. Паулю удалось достичь такого уровня качества исполнения изображений животных, изготовленных на основе его собственных идей и эскизов, что две его работы были включены в знаменитую книгу о Фаберже, опубликованную в 1962 году в Лондоне, в которой они позиционировались как полностью соответствующие дизайну этой марки.

 

Sculpture

Герд Дреер (Gerd Dreher).

 

 

Sculpture

«Рычащий лев». Пауль Дреер (Paul Dreher).Тигровый глаз, халцедон, родохрозит, бриллианты; резьба, полировка. Длина 17,8 см. Рычащий лев из полированного тигрового глаза, чей цвет и структура прекрасно передают шелковистость шкуры хищника, зубы из белого халцедона, язык и небо из родохрозита, глаза из мелких бриллиантов.

 

 

Sculpture

«Летящая утка». Пауль Дреер (Paul Dreher). Яшма, агат, тигровый и ястребиный глаз, халцедон; резьба, полировка. Длина 22,8 см. Композиция выполнена в виде летящей над водой утки. Туловище утки из коричневой, в крапинку, яшмы, крылья из голубого халцедона и ястребиного глаза, шея из тигрового глаза, хвост и лапки из желтой яшмы. Основание из серого полупрозрачного агата выполнено в виде водной ряби.

 

 

Sculpture

«Сокол». Эберхард Банк (Eberhard Bank).
Аквамарин, ляпис лазурь, горный хрусталь, золото.
Высота сокола 290 мм.

 

Камнерезная скульптура «Сокол», великолепно созданная Эберхардом Банком, уникальна. Для фигуры сокола был использован цельный кусок аквамарина весом 37000 карат. Ветвь, на которой закреплена скульптура, выполнена из серебра, и имеет вес 14,7 килограмм.

 

Sculpture

«Сокол». Луис Альберто Куиспе Апарисио (Luis Alberto Quispe Aparicio). Аметист, кварц, обсидиан, гранаты, золото. Высота: 21,5 см.

 

Луис Альберто Куиспе Апарисио (Luis Alberto Quispe Aparicio), из Перу, основатель творческой студии L'Aquart, один из самых успешных и востребованных современных мастеров-камнерезов. Родился в семье ювелиров и с детства был увлечен камнерезным искусством. Свою первую работу создал в возрасте шести лет. Это было дерево из полого малахита с черными сросшимися кристаллами и стволом из тигрового глаза. Красота получившегося изделия оказалась для Луиса Альберто такой «личной», что этот предмет до сих пор хранится в его частной коллекции.

 

Sculpture

«Попугай на ветке». Луис Альберто Куиспе Апарисио (Luis Alberto Quispe Aparicio). Рубин, турмалин, опал, оникс, золото. Высота 27,9 см. Попугай выполнен из непрозрачного танзанийского рубина весом примерно 2640 карат, с глазами из розового турмалина и золотыми ногами, сидит на ветке причудливой формы из розового андского опала с необработанной породой по краям. Овальное основание из оникса.

 

Он отмечает, что для него наиболее привлекательны драгоценные камни, обладающие насыщенным цветом, определенной текстурой и уникальными дефектами. Они являются основным компонентом дизайна и придают изделиям особый характер. Специалисты Геммологического института Америки (GIA) в Карлсбаде, Калифорния отмечают, что сочетание природных камней, особых методов резьбы и работы с драгоценными металлами позволило мастеру показать, как «оживают» цвета и текстуры различных минералов.

 

Sculpture

«Попугаи». Луис Альберто Куиспе Апарисио (Luis Alberto Quispe Aparicio). Аниолит, тигровый глаз, дерево. Высота 50,8 см. Попугаи выполнены из цельных кусков танзанийского аниолита (зеленый циозит с вкраплениями рубина), с крупными клювами из тигрового глаза. Основание из окаменелого дерева.

 

Особой темой в творчестве Луиса Альберто стали скульптуры черепов, каждый из которых несет особое настроение и выполнен из цельного куска натурального камня. Являясь популярным символом в ювелирном искусстве, череп, ассоциирующийся у многих с опасностью или смертью, в его руках приобрел особый характер благодаря исключительным деталям.

 

Sculpture

«Череп». Луис Альберто Куиспе Апарисио (Luis Alberto Quispe Aparicio). Аметист, кварц, золото; резьба, полировка. Высота 21 см. Диаметр основания 20 см.

 

 

Sculpture

«Череп, объятый пламенем». Луис Альберто Куиспе Апарисио (Luis Alberto Quispe Aparicio). Горный хрусталь, обсидиан, золото. 17х16х25 см.

 

Авторские работы в основном единичны, и на свет появляются уникальные произведения искусства. Эта неповторимость, присущая, авторской скульптуре, особенно притягательна широкими возможностями импровизации и эксперимента, взаимоотношений масс и фактур. Тончайшая работа, удивительные сочетания материалов и как будто оживающие композиции сразу приковывают взгляд.

 

Sculpture

«Пингвины на льдине» Peter Muller. Агат, кварц, горный хрусталь; Высота 22,8 см.

 

Один из наиболее известных камнерезов последних нескольких десятилетий, Альфред Циммерман (Alfred Zimmerman) принадлежит к сообществу гранильщиков драгоценных камней города Идар-Оберштайн.

 

Sculpture

«Мартышка». Альфред Циммерман (Alfred Zimmerman). Агат. Высота 7,6 см. Обезьянка выполнена из цельного куска полупрозрачного серого агата, с необычными переливами, от темно-серого на спине, до светло-серого на лапах и мордочке, что придает фигурке особую реалистичность.

 

Ученик Герда Дрехера, камнереза в четвертом поколении, Альфред Циммерман известен своими работами в стиле «Фаберже». Основными темами его произведений скульптуры животных, сделанные из прозрачных кристаллических минералов.

 

Sculpture

«Медведь на бревне». Альфред Циммерман (Alfred Zimmerman). Цитрин, сапфиры. Размер 19х7,6х7,6 см. Композиция выполнена из цельного кристалла высококачественного прозрачного цитрина, изображает европейского бурого медведя, отдыхающего на бревне, глаза из сапфиров-кабошонов.

 

 

Sculpture

«Мышка на коньках». Альфред Циммерман (Alfred Zimmerman). Агат, аквамарин, сапфиры, золото 18К. Длина 10 см.

 

Создается психологическая связь между автором и зрителем, ощущение, что работа сделана для того, кто внимательно ее рассматривает, что к его глазам, его душе, его интеллекту устремлены талант и мастерство художника - когда внимание зрителя, с одной стороны, свободно обтекает внешние контуры работы, с другой — цепляется за ловушки пустот и просветов между объемами, порождает сложную «игру» притягивая и гипнотизируя зрителя.

Среди российских мастеров-камнерезов особого внимания заслуживают непревзойденные мастера из Санкт Петербурга Сергей Шиманский и Сергей Фалькин.

Сергей Шиманский мастер с редким художественным чутьем. Любая его работа всегда эксперимент.

 

Sculpture

«Детство золотое». Сергей Шиманский.

 

В работах Сергея Фалькина всегда есть понимание важности традиции, но есть понимание того что мы живем в другом мире, в другой реальности и путь подражания искусству прошлого не может привезти к новым открытиям.

 

Sculpture

"Весна пришла" Сергей Фалькин.

 

Главный посыл этой работы в жизнеутверждающем настроении весны. Радостное предвкушение и беззаботность читаются в приподнятой голове и хвосте быка. Прочитав название работы можно задаться вопросом: почему по задумке автора именно бык - главный герой? В зодиакальном значении бык — солнечный символ, знак весны и возрождения жизни. Цветовые переходы нефрита придают образу натуральность. В этом быке заключено своего рода напоминание: не забывать чувствовать жизнь в каждом ее моменте.

 

Sculpture

«Минус 60». Сергей Фалькин.

 

При обработке камня основной задачей художников и мастеров-камнерезов Дома «Лобортас» становится подчеркивание красоты материала и выявление его индивидуальной художественной выразительности. Воплощение этих качеств в художественном произведении происходит посредством продуманной композиции, использования фактуры поверхности материала, рисунка, цвета и особых оптических эффектов, а также технических средств обработки камня.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

«Море Галилейское».Скульптура. Дом «Лобортас».
Фото Владислава Филина.

 

Художественный замысел и художественный образ будущего произведения нередко подсказывают мастерам присущие свойства материала. Разнообразие окраски камня, изменение его цвета в зависимости от освещения и обработки поверхности, проявление дополнительных скрытых эффектов в его глубинах – все это способствует созданию высокохудожественных образов.

Макс Ле Верье. Роскошь и шик ар - деко. Скульптура малых форм. XX век. Начало.

 

Скульптура малых форм. XX век. Начало.
Роскошь и шик ар - деко. Макс Ле Верье.

 

Одним из самых феноменальных скульпторов стиля ар - деко, по праву, можно считать Макса Ле Верье (Max Le Verrier). На первой Международной выставке декоративного и современного индустриального искусства, проходившей в самом сердце Парижа в 1925 году, с которой и ведет отсчет стиль ар-деко, Макс Ле Верье за свои работы, созданные еще в 1919 году, получает золотую медаль. Стиль, в котором были выполнены скульптуры, охарактеризовали как «эклектичную смесь элегантности и модернизма, легкости силуэта и лаконичности композиции».

 

Art Deco

Луи Октава Максим Ле Верье (Louis Octave Maxime Le Verrier) (1891 – 1973).

 

Любовь к рисованию и скульптуре проявляется у Ле Верье очень рано. Отец, будучи по профессии ювелиром, не одобряет увлечения сына, и, будучи уверенным, что будущее за сельским хозяйством, отправляет Макса, против его воли, в сельскохозяйственные школы Сент-Север и Ла-Реоль. Все свободное время Макс Ле Верье посвящает скульптуре.

 

Art Deco

Подставка под книги «Зубр». Макс Ле Верье.

 

До того момента, когда Макс Ле Верье в 1917 году станет одним из лучших учеников, в Школе изящных искусств в Женеве (Collège de Verneuil sur Avre), пройдут долгие годы мытарств. В возрасте 16 лет он вернется в Париж в поисках работы.​​ В 1909 переедет в Лондон, где долго не сможет найти работу. Работа в летной школе механиком поможет Максу Ле Верье в 1913 году получить лицензию пилота. В Первую мировую войну он проходит службу во французской бомбардировочной эскадрилье. 25 мая 1915 года в воздушном бою его собьет немецкий истребитель. Во время плена он лепит из глины разнообразные образы, преимущественно своих товарищей. В 1917 году Ле Верье интернируют, в рамках обмена пленными, в Швейцарию.

 

Art Deco

"Рыбак с лодкой". Макс Ле Верье. Бронза с зеленой патиной 20 х 36 х 10 см.

 

После окончания учебы в Женеве, в 1919 году, Ле Верье возвращается во Францию, ​​ арендует мастерскую художника и основывает свою собственную студию в Париже, на Театральной улице, где работает по 12 часов в день. С этого момента всю свою оставшуюся жизнь Макс Ле Верье посвятит скульптуре. Именно в это время он создаст свою первую популярную скульптуру - знаменитый «Пеликан» - которая и будет удостоена золотой медали на Всемирной Парижской выставке в 1925 году.

 

Art Deco

«Пеликан». Макс Ле Верье. 1919 год.

 

В 1921 году Ле Верье создает серию скульптур животных, для которых он ищет вдохновения в зоопарках и цирках (Jardin des Plantes, Cirque Bouglione в Jardin d'Acclimatation в Bois de Boulogne).

В то же время, Ле Верье создает несколько автомобильных талисманов, маскотов, очень популярных в то время, в частности, «Eola», точную копию знаменитой радиаторной крышки Rolls-Royce.

 

Art Deco

«Eola». Макс Ле Верье 13х8 см, вес 0,5 кг.

 

"Маскот" - от французского слова «mascotte» - человек, животное или объект, приносящий удачу. Традиция украшать капот или радиатор автомобиля фигуркой в качестве эмблемы можно связать с носовыми украшениями парусных судов. На парусниках фигура символизировала оберег от нечистой силы и злых духов. Этим и объясняется появление на капотах фигурок и символов, изготовленных в единичном экземпляре, подчас являющимися настоящими шедеврами ювелирно-прикладного искусства.

 

Art Deco

«Envol». Макс Ле Верье. Размер: В 21 см х Ш 9 см, вес 1,3 кг.

 

Кому первому пришло в голову устанавливать фигурку на радиаторе автомобиля, к сожалению, информации нет, но считается, что первая фигурка на капоте Rolls-Royce появилась в 1911 году. По заказу барона Монтегю скульптор Чарльз Робинсон Сайкс изготовил статуэтку под названием «Silver Ghost», что в переводе означает «Серебряный призрак».

В 1926 году Ле Верье открывает свой собственный литейный цех, отливая изделия для широкого круга французских скульпторов того времени, в том числе для Пьера Ле Фагюэ, Марселя Бурена, и многих других. С самого начала его компания получает непревзойденную репутацию за очень высокое качество работы, исключительную детализацию и точность изделий, которые производит.

 

Art Deco

«Девушка с кувшином». Дизайн Пьер Ле Фагюэ,
литейный знак Макс Ле Верье. Высота 43 см. 1927 год.

 

В 1928 году Макс Ле Верье создает свою знаменитую “Clarte” (девушка со светящимся шаром в руках), бронзовый шедевр, на века запечатлевший женщину той эпохи в стиле "а ля гарсон". Идея создания образа восходит к древней богине света, и в то же время отображает облик современной женщины, словно сошедшей со страниц романа «La Garconne» Виктора Маргеритта (Victor Margueritte). «Когда я работал над “Clarte”, я всегда чувствовал, что она является драгоценным свидетелем духа этого захватывающего времени» - такими словами отзывался Макс Ле Верье о самой значимой работе в своей творческой карьере.

 

Art Deco

«Clarte». Макс Ле Верье. 1928 год.

 

Вклад Ле Верье в мировую сокровищницу отмечен почетной медалью на Парижской международной выставке в 1937 году. Во время Второй мировой войны Ле Верье помогает Сопротивлению, с трудом пытается творить, вплоть до ареста в 1944 году.

 

Art Deco

«На охоте» Макс Ле Верье. Длина: 65 см Высота: 36 см.

 

После Второй мировой Максу Ле Верье приходится начинать все сначала. Мастерская и производство были нещадно разграблены. Постепенно он возрождает производство, акцентируя внимание в основном на бронзовом художественном литье выпуская пепельницы, офисные предметы, религиозную атрибутику, статуэтки. Будучи неутомимым скульптором, Ле Верье создает еще одну коллекцию животных из бронзы меньшего размера и группу персонажей на мотивы Дон Кихота и Санчо Панса.

 

Art Deco

«Пантера». Макс Ле Верье 1973 год.

 

До последнего вздоха Макс Ле Верье предан любимому делу. Последнюю свою работу, малую скульптуру пантеры, он долепил в больничной койке за три дня до смерти. В возрасте 82 лет Макс Ле Верье ушел в лучший мир и был похоронен на кладбище в Фонтене-ле-Бри, рядом со своим другом Пьром Ле Фагюэ, который покинул этот мир десятью годами ранее.

Малые размеры ювелирной скульптуры обусловливают близкое рассмотрение и специфику ее изобразительного языка: яркую образность, тщательную проработку деталей, декоративное использование цвета. Работая с различными металлами, камнями, изучая различные их сочетания, со всевозможными текстурами и поверхностями мастера Дома «Лобортас», создавая скульптурные украшения, находят решения отличающиеся динамизмом, пластичностью, инновационным духом, цель которых восстановить престиж и художественное значение ювелирного искусства, попавшего под влияние промышленного производства.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

«Фьезоланские нимфы».Светильник. Дом «Лобортас».
Фото Владислава Филина.

 

Малая пластика. Наследие

 

Малая пластика. Наследие

 

«Скульптура в восемь раз более великое искусство, чем все остальные виды изобразительного искусства, потому что у статуи восемь видов, и все они должны быть равно прекрасны».

Бенвенуто Челлини

 

Жанровые композиции в малой скульптуре, переданные средствами искусства, символично раскрывают понятия красоты, добра, правды. Они могут уютно располагаться на письменном столе, книжных полках, подоконниках, среди других предметов домашней обстановки.

Мартин Эйхингер - американский скульптор. Эйхингер прославился своими бронзовыми повествовательными скульптурами, которые, по его словам, «ведут хронику вечного стремления человека к смыслу, счастью и росту».

 

Sculpture

Мартин Эйхингер (Martin Eichinger)

 

По мнению Эйхингера, созданные им скульптуры живы. У каждого произведения есть индивидуальность, уникальная история, намек на трагедию, немного юмора и проблеск его личной философии. Его скульптуры - свидетельство дальновидного художника, который может сказать что-то позитивное и вечное своим талантом.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

На крыльях надежды. 2004 Мартин Эйхингер. 75х43х 21 см | Дыхание Гайи. 2003 Мартин Эйхингер. 71 х 23 х 37 см

 

Сегодня бронзовые скульптуры Эйхингера можно найти в более чем 700 частных и корпоративных коллекциях.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

Танцы с дьяволом. 1999 Мартин Эйхингер. Бронза, гранит. 66 х 51 х 41 см

 

Еще один из американских скульпторов Джордж Ландин (George Lundeen) основал свою скульптурную мастерскую в Лавленде, штат Колорадо, в середине 1970-х годов, где он в настоящее время живет и работает.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

Игроки. Джордж Ландин | Лыжник. Джордж Ландин

 

Очень интересны и самобытны его работы на спортивную тематику.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

Скейтбордист. Джордж Ландин | Велосипедист. Джордж Ландин

 

Особым колоритом и тщательной проработкой деталей отличаются скульптуры Джорджа Ландина на тему «Дикого запада».

 

Sculpture

Игрок. Джордж Ландин

 

Sculpture

Ковбой. Джордж Ландин

 

Современная анималистическая мелкая пластика — это мир самых разных «характеров», «темпераментов», повадок, мир природной целесообразности форм, цвета, движения. Создаются зоопортреты раскрывающие внутренний образ конкретного животного.

 

Sculpture

Медведь и буйвол. Джордж Ландин

 

Дар Джорджа Ландина, как художника, заключается в том, что он может улавливать эмоции и дух жизни и передавать это в скульптуре. Работы Джорджа Ландина очень востребованы, и находятся во многих частных коллекциях и музеях Америки.

 

pechat afina 17 03 134 1pechat afina 17 03 134 5

Охотник нашего времени. Джордж Ландин

 

Канадский художник-скульптор Кевин Петерс (Kevin Peters) является создателем одной из десяти крупнейших скульптур из чистого золота, созданных за последние 500 лет.

 

Sculpture

Золотой Орел. Кевин Петерс. 26х10 см.

 

На создание скульптуры «Золотой Орел» (Белоголовый Орлан), оцененной в 6 миллионов долларов, пошло 8,2 килограмма чистого золота. Золотая скульптура довольно большая и имеет размеры 26 х 10 см. В глазах скульптуры «Золотой Орел» два грушевидных бриллианта весом 1,1 карата каждый. Голову орлана украшают 763 круглых бриллианта придающих символу США яркий и величественный вид. Внизу скульптуры, у лап птицы, установлен зеленый изумруд «Звезда Аточа» (Atocha Star) весом 12,73 карат, самый большой ограненный изумруд, найденный в сокровищах затонувшего в 1622 году испанского галеона «Аточа». Изумруд был подарен знаменитым охотником за сокровищами Мэлом Фишером.

 

 

Малые размеры ювелирной скульптуры обусловливают близкое рассмотрение и специфику ее изобразительного языка: яркую образность, тщательную проработку деталей, декоративное использование цвета. Работая с различными металлами, камнями, изучая различные их сочетания, со всевозможными текстурами и поверхностями мастера Дома «Лобортас», создавая скульптурные украшения, находят решения отличающиеся динамизмом, пластичностью, инновационным духом, цель которых восстановить престиж и художественное значение ювелирного искусства, попавшего под влияние промышленного производства.